Mi tema es la guerra y la miseria de la guerra / La poesía está en la miseria / Todo lo que un poeta puede hacer es advertir
Wilfred Owen
Emoción” y “excelencia artística”: estos son los términos más importantes para Sabrina Haane, directora general de la Orquesta Sinfónica de SWR, cuando recuerda los seis años de Teodor Currentzis como director titular de la orquesta de Stuttgart, dos cualidades que se engarzan en los dedos del maestro greco-ruso, y que convierten cada una de sus apariciones en un desafío constante al oyente, en una experiencia estética intemporal que abre nuestros oídos al virtuosismo anidado en cada gesto de sus manos, en la milagrosa ocasión para dejarnos enmadejar en los hilos de una delicada red de belleza deslumbrante.
En un aforismo muy citado ya en su tiempo, Friedrich Schlegel afirmó en el cambio de siglo que la música tenía «más afinidad con la filosofía que con la poesía», es decir, era más una vía de conocimiento que una expresión de emociones o de ideas per se.
De creer en ello, ayer, el magnifico Liederhalle de Stuttgart se convirtió en uno de esos privilegiados accesos a la plenitud de lo inefable siendo testigo del primero de los siete últimos conciertos con los que Currentzis pondrá fin a su etapa como director titular de la Orquesta Sinfónica de SWR, iniciada en un ya lejano septiembre de 2018 con la Tercera Sinfonía de Gustav Mahler, y con la que tendrá en Hamburgo «su último baile «. Además, gracias a la labor divulgativa de la institución estutgardiense, los verdaderos aficionados a la música culta, tuvimos la oportunidad de escuchar el sobrecogedor Réquiem de Guerra de Benjamin Britten vía Streamlive.
Esta obra monumental basada en poemas de Wilfred Owen y textos de la “Missa pro defunctis” es un lamento impresionante por los muertos de la última guerra y aporta una síntesis imaginativa de muchos elementos estilísticos iniciados desde el gregoriano .
Al igual que en su ópera de Shakespeare «Sueño de una noche de verano» (1960), Britten creó los respectivos niveles textuales y emocionales en el «Réquiem de guerra» utilizando diferentes medios tonales. Sin embargo, las expresiones «públicas» de dolor en el texto latino del Réquiem son interpretadas por la soprano, el coro y la extensa orquesta, lo que contrasta con las voces del tenor y el barítono, que sólo cuentan con el apoyo de un conjunto de cámara, intercalando sus recuerdos y reflexiones sobre el horror de los asesinatos en masa, organizados sobre el texto tradicional de la misa. Las voces lejanas del coro de niños y del órgano, anuncian la redención y la paz eterna como si vinieran de esferas superiores. Tras el prólogo «Réquiem aeternam» (Descanso eterno) – que comienza con la sarcástica pregunta «¿Qué campanas de paso para estos que mueren como ganado?» – las partes más largas del «Réquiem de guerra» son el Día del Juicio («Dies irae») y la concluyente «Libera me» (Líbrame). Para el «Dies irae», el compositor tomó, entre otros, los versos admonitorios de Owen de los poemas «Soneto al ver una pieza de nuestra artillería puesta en acción» y «Futilidad». En el ofertorio, la «Parábola del viejo y el joven» traslada a los tiempos modernos la historia del sacrificio de Abraham e Isaac en el Antiguo Testamento. Le siguen «The End» en el Sanctus, «At a Calvary near the Ancre» en el «Agnus dei» y «Strange Meeting» al final de la obra. El «Kriegsrequiem» habla del horror de las batallas y las esperanzas destruidas: «Fui de caza salvaje / Tras la belleza más salvaje del mundo», canta el barítono en «Libera me»: la muerte violenta sancionada por el Estado impide perseguir a la «belleza más salvaje del mundo». El compositor creía que los funcionarios no estaban cumpliendo la «tarea fundamental de la política», a saber, «dar forma al mundo y apaciguar las tensiones». En el «War Requiem» de Britten, las víctimas de la guerra se encargan de ello al final: Después de todos los combates sin sentido, Owen y Britten hacen que dos soldados muertos y hostiles se crucen en un «extraño encuentro». La referencia: «Yo soy el enemigo que mataste, amigo mío…» conduce a la promesa mutua: «Durmamos ahora…»
El ideal de Britten era repartir los papeles solistas entre artistas de las naciones que más habían sufrido la guerra, en este caso la Segunda Guerra Mundial: Además de una rusa (Galina Vishnevskaya), había elegido a un inglés (Peter Pears) y a un alemán (Dietrich Fischer-Dieskau). Sin embargo, Vishnevskaya no recibió permiso para salir del país para el estreno en Coventry. En el estreno del «War Requiem» en la primavera de 1962, dirigido por el compositor, Heather Harper tuvo que intervenir finalmente. No fue hasta la grabación en Londres en enero de 1963 cuando Britten pudo completar su deseado conjunto con la artista rusa, a la que se le permitió representar a su país en este documento sonoro, pero no estar junto a un alemán en el podio del concierto. A pesar de los problemas organizativos previos, el estreno fue un éxito impresionante. «La primera representación creó una atmósfera tan densa que al final estaba completamente disuelto por dentro y no sabía dónde esconder la cara», señaló el barítono Dietrich Fischer-Dieskau en sus memorias. «Los amigos caídos se levantaban y el pasado sufría». El deseo de Britten de que personas de naciones enemigas se reunieran entre los participantes hace de su «War Requiem» una obra que refleja el horror de la guerra y lucha por la reconciliación.
War Requiem, Benjamin Britten, Director
Más allá de la enorme y compleja escala musical de la partitura, la pieza -escrita para orquesta sinfónica, orquesta de cámara, coro mixto, coro infantil y tres voces solistas- es por encima de cualquier otra consideración, la intercalación en el texto de un ciclo de nueve poemas -que son más lieder en la tradición de Schubert, Wolf o Strauss antes que arias- escritos por Wilfred Owen, lo que otorga al War Requiem su verdadera dimensión secular: una pieza que habla del duelo aún no procesado, en la misma medida que resulta difícil procesar la genialidad del director greco-ruso.
Currentzis enhebró con suma delicadeza y precisión las transiciones musicales en los que las expresiones de duelo del Réquiem latino alcanzaron gran intensidad .Las voces de tenor y barítono se hicieron cargo de las conmovedoras canciones de los caídos. Las voces lejanas del coro de niños evocaban la salvación esférica y la paz eterna. Después del compacto prólogo del “Requiem aeternam”, el “Dies irae” como el Día del Juicio mostró un carácter increíblemente conmovedor con muchos contrastes dinámicos y delicadeza rítmica. En el “Offertorium” fue particularmente cautivadora la “parábola del anciano y el niño”. Otros momentos destacados fueron “El fin” de “Sanctus”, “En una encrucijada del Ancre” de “Agnus Dei” y “Extraño encuentro” al final. Las relaciones motivacionales brillaron una y otra vez, todas las corrientes melódicas fluyeron juntas de manera abrumadora. Esto fue cierto desde el comienzo de la aburrida marcha de la gran orquesta con tiempos lentos donde las campanas sonaban misteriosamente pero sin que el greco-ruso dejase de labrar todo el movimiento con el fervor de un creyente anonadado. De repente, el tenor solista estalló en la primera protesta violenta, acompañado por el trémolo cromático del arpa y el excitado tema de la marcha de la orquesta de cámara. El “Kyrie eleison” terminó en fa mayor puro: el primer momento acústico destacado de esta velada de conciertos. Las señales sincopadas de los trombones, trompetas y trompas también introdujeron el “Dies irae” del gran coro en un inquietante pianísimo. El conjunto dirigido por Teodor Currentzis destacó de forma muy convincente los aumentos dinámicos. El coro enfatizó los primeros cuatro versos en un compás entrecortado y sin aliento. El estallido fortísimo de la “Tuba mirum” parecía aún más impactante en esta interpretación. Y Matthias Goerne interpretó de forma muy conmovedora su melancólico canto como barítono solista multifacético. Con grandes e impresionantes saltos de intervalo, la poderosa soprano Irina Lungu evocó la visión del Juicio Final. Los ostinatos de los timbales, ansiosamente palpitantes, dejaron aquí una profunda impresión. La dura “Confutatis maledictis” de los bajos del coro tuvo un excelente éxito. La invocación de Jesucristo en el “Offertorium” mediante las voces de los niños cantando salmos se logró de forma maravillosamente esférica desde la galería de la Sala Beethoven. En “Sanctus” la soprano solista, Irina Lungu enfatizó las melodías extáticas de manera conmovedora. El enorme crescendo del gran coro brilló aquí con una claridad polifónica increíble. En “Agnus Dei” los dos grupos principales se combinaron melódicamente de manera impresionante. El estilo triste y cantor del tenor solista fue acompañado conmovedoramente por versos mayores y menores. En “Libera me” se volvió a escuchar el acompañamiento de marcha del primer solo de tenor. Los segundos pasos cromáticamente reducidos en los pasajes del coro “Libera me” ganaron cada vez mayor intensidad. Después de un gran aumento, los gritos desesperados se hundieron cada vez más. La melodía de las voces de los chicos resultó en una condensación canónica transfigurada de ocho voces al tiempo que Irina Lungu volvió a mostrar una brillante magia sonora. Todo quedó expuesto al envase de un largo y sobrecogedor silencio ( qué envidia de público) hasta que en el límite de la espiración, estallaron los aplausos.
Dmitri Shostakovich, que organizó una presentación del «War Requiem» a finales de agosto de 1963 para estudiantes del Conservatorio de Moscú, escribió a un amigo que ‘ Réquiem de Britten está a la altura del ‘Lied von der Erde’ de Mahler y de otras grandes obras de la humanidad. «Cuando escucho el ‘Réquiem’ de B. Britten, me siento más alegre e incluso feliz». Lo mismo nos sucede a quienes amamos la música, cada vez que Teodor Currentzis se encamina hacia el centro de un escenario en busca de un grandioso tal vez.
Lets be careful out there