De aquí se sigue que, llevada el alma de la suavidad de la música, se divierte de otras cosas, dando lugar que se sosieguen entretanto varias turbaciones y especies descompuestas

Juan Eusebio Nuremberg, Oculta Filosofía 

La laisse du temps peut être située dans le monde:

Elle se situe entre le jadis et la mort.

Oe écrivit à Narumi :

Je me hâte

sur le peu de chemin

que laisse à découvert la marée.

La resaca del tiempo puede ser situada en el mundo:

Se sitúa entre lo anterior y la muerte.

Oé le escribió a Narumi:

Me apresuro

sobre el escaso camino

que deja al descubierto la marea.

Pascal Quignard, les ombres errantes

La historia de músicAeterna «suena como un sueño romántico” explica la intérprete y musicóloga Lyalya Kandaurova ,autora de un breve dossier sobre la excelsa formación rusa para un folleto especial con motivo del 20º aniversario de la orquesta, pero que en realidad es un análisis amplio y exhaustivo del fenómeno de la músicaAeterna como cisne negro de la música.

Perfeccionismo e intensidad estética, espíritu hipster y carácter reformista: desde los tiempos de la «Hermandad del Liceo» de Novosibirsk hasta el «sindicato cultural» de San Petersburgo: Lyalya explica cómo el sueño utópico se hizo realidad en la vida real. El folleto de aniversario  estará disponible en los conciertos de la gira dedicada al 20º aniversario de musicAeterna, y su texto es el siguiente:

Hay que mostrar a la orquesta no lo que está claro sin el director, sino lo que ‘hay detrás de las notas’, no sólo un matiz sino su causa, no las notas sino las conexiones entre ellas, no una frase sino una imagen musical viva». Estas palabras de una monografía soviética clásica sobre la dirección de orquesta parecen una descripción del arte de Theodor Currentzis, un director de orquesta tantas veces tachado de «rebelde» y «revolucionario». El autor del libro citado es Ilya Alexandrovich Musin, el gran pedagogo y teórico ruso de la dirección de orquesta, el educador de varias generaciones en la profesión y el hombre a quien Theodor Currentzis llamaba «el principal culpable de lo que es». En 20 años, Theodor Currentzis ha pasado de fundador de una orquesta a inspirador de un laboratorio creativo llamado musicAeterna. Lyalya Kandaurova, músico, periodista y conferenciante, nos habla de los orígenes y peculiaridades de su enfoque.Puede que haya cierta simplificación en estas palabras -un fenómeno artístico no puede reducirse a una única fuente de influencia-, pero en conjunto son ciertas. la forma de actuar de kurentzis ante la consola del director se basa en un sistema exhaustivo, casi científico en su orden, que aprendió en San Petersburgo del nonagenario Musin. La amplitud y la expresión del gesto, la apariencia escénica, el carácter insólito de las situaciones de concierto -todo lo cual puede parecer una rebelión frente al arte académico- no son más que herramientas para realizar el objetivo formulado por Musin allá por 1967: «dar vida a los puntos, ligaduras y otras marcas de la notación musical para ver detrás de ellos el carácter de la imagen musical».

Lo único que se vuelve «rebelde» en las interpretaciones de Currentzis y sus músicos es la pureza y la concentración de esta imagen, un rasgo que el novísimo filósofo francés Tristan Garcia denomina «intensidad estética», una característica clave de lo contemporáneo en el arte: «Esta intensidad no es otra cosa que el principio de comparación sistemática de un fenómeno consigo mismo. Lo intenso es aquello que es más o menos él mismo. Puede ser feo, aterrador, provocador, estimulante, melancólico, opresivo, intrépido, emocionante, repugnante, criminal, pesadillesco… Nada está prohibido a priori. Cómo es la cosa en cuestión es irrelevante, siempre y cuando sea así de la forma más completa y cualitativa posible. Esta simple idea ha empezado gradualmente a definir toda nuestra conciencia».

musicaAeterna Ensemble -así se llamaba el conjunto al principio de su historia- se formó en 2004 sobre la base del Teatro de Ópera y Ballet de Novosibirsk, cuya orquesta había dirigido poco antes Theodor Currentzis. Al mismo tiempo, en 2004, tuvo lugar la producción de Novosibirsk de Aida de Verdi por Dmitry Chernyakov, un hito en la historia del teatro ruso. el greco-ruso fue el director de orquesta de esta producción. Durante su trabajo conoció al cantante y director de coro Vitaly Polonsky, que pasó a formar parte del primer conjunto vocal The New Siberian Singers, que se reunió entonces, y posteriormente dirigió el coro musicAeterna durante muchos años. Vyacheslav Podjelsky, uno de los corifeos del teatro de Novosibirsk y director del coro, desempeñó un papel fundamental en la formación de Los Nuevos Cantores Siberianos, la primera encarnación del grupo de canto de Currentzis.

La realización última del ser es una idea que surge a menudo en las entrevistas con el Maestro y los artistas que trabajan con él. Los textos musicales que interpretan también adquieren una plenitud absoluta. Ya no se refieren a un ideal especulativo de clasicismo y armonía, sino únicamente al recurso de energía y expresividad que contienen, a lo que, como dice Musin, «se esconde detrás de las notas».

La colaboración con Chernyakov figura entre las historias importantes de los comienzos de musicAeterna; en 2008 continuó con Macbeth, de Verdi. Esta coproducción con la Ópera de París hizo las delicias de los periodistas sólo por la forma en que la frase coproduction avec l’Opéra national de Novossibirsk aparecía en los carteles franceses; fue inspirada por Gérard Mortier, entonces director del teatro parisino. El concepto del arte como «quemadura emocional» (formulación de Chernyakov, escuchada en varias entrevistas) unió a Mortier -un legendario reformador de la ópera- con los jóvenes del teatro y la música de Siberia. En los mismos años, los conjuntos de Novosibirsk se hicieron visibles en la vida musical de Moscú: desde 2006 se celebra allí el festival Territory, que ofrece al público la oportunidad de conocer la nueva música y las partituras canónicas del siglo XX. 

Sonaban con el ya reconocible estilo interpretativo de musicAeterna: una extraña combinación de perfeccionismo, meticulosidad textual típica de los conjuntos barrocos y un comienzo dionisíaco que parece provenir de la cultura rock. La orquesta comenzó su historia como una orquesta barroca, tanto por su aspecto exterior (estructura baja, cuerdas) como por su método de interpretación: ligereza del sonido, claridad del patrón, microcirugía de las frases y de los más pequeños gestos melódicos, retórica minuciosa, y todo ello no sólo en el repertorio temprano. Pero aún más importante fue el peculiar espíritu artesanal, hippista y antisistémico que caracterizó a los conjuntos europeos de música antigua en los albores de su historia, en la década de 1960, cuando la interpretación auténtica aún estaba en la clandestinidad. Este espíritu de libre creatividad «artesanal» se reencarnó brevemente en Rusia en la década de 2000 y se convirtió, quizás, en la parte más encantadora de la mitología de musicAeterna: un conjunto de entusiastas y un círculo de elegidos, una «iglesia catacumba» de la música, para cuyos ministros no había autoridades externas, jerarquías, normas de ensayo definidas por un contrato laboral y, en general, ninguna división entre «trabajo» y «vida». Uno de los primeros proyectos emblemáticos de musicaeterna -una serie de conciertos que se convirtieron en el prototipo de innumerables actuaciones posteriores en espacios «no destinados a conciertos», a la luz de las velas- se llamó «Música para nosotros». 

La década de 2010 fue testigo de la rápida expansión de la geografía itinerante de musicAeterna, de su debut en el Festival de Salzburgo (2017) y de sensacionales coproducciones internacionales con la participación de las principales figuras del mundo de la ópera actual. En 2013, otro proyecto iniciado por Gérard Mortier: Queen of the Indians, de Purcell, dirigida por Peter Sellars; en 2016, La traviata, de Robert Wilson, una de las grandes revelaciones de la escena teatral de aquellos años, una producción que iluminó la estrella de Hope Pavlova y que ahora se dedica a la memoria de Mortier, fallecido unos años antes, y en 2018 – la fenomenal «janne en la hoguera» de Romeo Castellucci, una producción dramática del oratorio de Arthur Honegger con Odry Bonnet en el papel principal.

La trama vinculada a la musicAeterna malheriana se extendió durante varios años: una tras otra, las colosales partituras del gran sinfonista austriaco aparecían en los programas de festivales y giras de la orquesta, cuyos miembros se ampliaban y se nutrían, entre otros, de músicos europeos. El ciclo Mahler fue uno de los ejemplos más llamativos de la naturaleza reformadora de musicAeterna, ni siquiera porque su interpretación revisara los estereotipos interpretativos (esta frase podría aplicarse a cualquier interpretación o grabación de la orquesta): fue reformador en el sentido directo, luterano: las sinfonías de Gustav Mahler -ciclopédicas en escala, complejas en arquitectónica, resumiendo un siglo de experiencia del romanticismo musical, a veces apoyándose en programas cuidadosamente ocultos al oyente- fueron enfocadas nítidamente en la interpretación de musicAeterna, como en un dispositivo óptico perfecto. La claridad, la nitidez de la expresión hicieron que esta música objetivamente difícil fuera comprensible para un oyente de cualquier nivel de formación. 

En 2011 comenzaron los ocho años del «periodo de Perm». Un pequeño grupo de músicos y cantantes se trasladó a los Urales desde Novosibirsk tras Theodor Currentzis, para pronto ampliarse significativamente y unirse bajo un mismo nombre. Institucionalmente, los conjuntos musicAeterna existían dentro del Teatro de Ópera y Ballet de Perm junto a la orquesta del teatro bajo la dirección de Currentzis; eran la base de todos los proyectos clave, más complejos y a gran escala.

Entre ellos destacaron en aquellos años las aclamadas representaciones y grabaciones de «Perm Mozart», así como el Festival Diaghilev. Por supuesto, la músicaAeterna de la «época de Perm» ya no era el círculo de los iniciados, la Camerata renacentista. Sin embargo, la distancia de ambas capitales y la posición de una reserva artística en una ciudad industrial de los Urales, el romanticismo especial del espacio con el majestuoso río Kama y los «dioses de Perm» de madera en el último piso de la galería, entonces situada en la Catedral de la Transfiguración del Salvador, donde se celebraban conciertos nocturnos, todo ello creaba un aura de reserva de arte y libertad. Cuando en 2015, en el final del primer acto de Don Giovanni, puesto en escena por Valentina Carrasco, se desplegó una gran pancarta con la inscripción Viva la libertà, se produjo una atmósfera de excitación casi incontrolable tanto en el auditorio como en el escenario.

En el verano de 2019, el coro musicaeterna reabrió el programa de ópera del Festival de Salzburgo: Peter Sellars puso en escena Idomeneo en el famoso escenario del Rock Manege, excavado en la montaña. Ese mismo año se anunció un nuevo capítulo en la historia de MusicAeterna: el traslado a San Petersburgo, el alojamiento en la Casa de la Radio de la calle Italianskaya y el estatus independiente del grupo, que ahora no estaba afiliado a ninguna otra organización de conciertos o teatro.

MusicAeterna, que comenzó como una «fraternidad de liceos» en Siberia, creció en escala, experiencia y reputación en los años Perm, y en la década de 2020 es una de las marcas culturales rusas más poderosas, un sindicato colosal que comprende media docena de grupos de músicos, cantantes y bailarines, así como un amplio programa que funciona sin problemas para educar, formar, desarrollar creativamente a los oyentes y proporcionarles nuevas experiencias estéticas.

Los proyectos anuales de musicAeterna han crecido: desde 2021, el Festival Diaghilev, que tradicionalmente marca el comienzo del verano, ha adquirido un «hermano pequeño» de invierno: el proyecto Diaghilev+, que se celebra en Perm en diciembre. Entre los intereses de repertorio de musicAeterna en los últimos años se encuentra un indudable énfasis en obras espirituales a gran escala que se elevan por encima de la historia de la música: la Vigilia de toda la noche de Sergei Rachmaninoff, motetes, y la Pasión de San Mateo de Bach. La historia de musicAeterna suena a sueño romántico: reunir a un grupo de personas afines lejos de las autopistas de la cultura, convertidas sin reservas a una nueva fe estética y capaces de realizar sus actitudes a un nivel superior. Caminar con estas personas – desprendiéndose inevitablemente de algunas, aceptando a otras, aumentando el tamaño del equipo y la complejidad de sus tareas – a lo largo de una ruta de 20 años, que a partir de 2025 parece inequívocamente trazada desde el primer día, construida como el esbozo de una novela, donde cada una de las líneas argumentales trabaja hacia un desenlace conocido – aunque probablemente no se veía ni podía verse así desde 2004. A lo largo de los años, se han conservado los principios que han hecho reconocibles las interpretaciones del conjunto a partir de unos pocos compases. Theodor Currentzis se refiere a menudo a musicAeterna como un proyecto utópico; una vez dijo que Rusia en su conjunto, como un espacio extraño y utópico, le fascinaba a él, que aún no sabía ruso, en los años noventa. Al mismo tiempo, la realización del sueño no habría tenido lugar sin las personas que en distintos momentos estuvieron unidas por su energía y visión artística. Por supuesto, en primer lugar instrumentistas y cantantes, pero también directores e ingenieros de sonido, los que educaron, administraron y organizaron, pusieron en práctica ideas increíbles, escribieron letras, negociaron, proporcionaron logística y bienestar durante la gira. musicAeterna está formada por cientos de personas, no siempre visibles para el oyente; a lo largo de la vida de un conjunto – orquesta – liga de conjuntos, todos ellos han vivido a su manera la idea de «ser uno mismo al máximo» en la música.

Lyalya Kandaurova, RBC Style

Le’ts be careful out there